Habiendo visto la première de la nueva versión de Il trovatore el Teatro del Maggio a Florencia, Incluso antes de hablar de la ópera en sí, hay una premisa: esta es la primera parte de una nueva versión de la llamada «trilogía popular» de Verdi que contará con el mismo director musical y de escena.

Il trovatore '| Maggio Fiorentino

Il trovatore ‘| Maggio Fiorentino

Il trovatore, Rigoletto y la traviata han programado seguidamente y han sido ideados con un solo hilo conductor: su popularidad, su posición como obras maestras de la música italiana y la figura de Verdi como padre de la nación han ayudado a crear un proyecto organizado visualmente al alrededor de la bandera italiana. El verde para Rigoletto, Significando ambigüedad, celos y rabia; el blanco para la traviata, Como el color de las camelias y de la pureza deseada; y finalmente el rojo para Il trovatore, Como la sangre, el fuego y el asesinato.

Esta es la razón por la que la escena de apertura mostraba tres paneles iluminados – verde, rojo y blanco. Aún más, cuando el público entró en el teatro, no había telón: el escenario era todo oscuro, tan sólo deslumbrado por estos tres paneles lumínicos. Entonces un hombre – indiscutiblemente un anciano Giuseppe Verdi, con su barba y un manto – apareció en escena y levantó una mano hacia la orquesta. La orquesta empezó a sonar. Jesús se volvió y dirigió sus dedos hacia los paneles lumínicos, que se volvieron rojos y finalmente se fundieron en un color negro, como si se tratara de un señor de los Sith.

Entonces, durante la introducción, el personaje se quitó tres títeres de debajo del manto; o aún mejor, tres pupi. Si no estás familiarizado / a con la siciliana opera dei pupi déjame contarte que no son sólo títeres y que desde el año 2008 están inscritos en la lista del Patrimonio Cultural Intangible de la Unesco. estos pupi están hechos con un estilo bien específico que representan unos paladines francos como Orlando y Rinaldo con armaduras de lata, batallando tal vez por su amor hacia Angelica, una situación típica de triángulo amoroso que también encontramos en esta ópera – quizá por casualidad? Seguramente no, ya que cuando los personajes aparecen en escena posteriormente, vemos que los títeres representan el Conte di Luna, Manrico y Leonora, con la misma vestimenta.

El personaje verdiano entonces empezó a cantar: es Ferrando, todo vestido de negro; el corazón la escucha y empieza a comentar la historia del viejo conde que quemó una abietta zingara, Una bruja vieja y desgraciada la hija de la que secuestró el hijo más joven del conde.

Estamos familiarizados con la trama de la ópera – hasta el segundo acto hay una serie de flashbacks cantantes por Ferrando, Leonora y Azucena. En el libro queda poco claro como Manrico, el supuesto hijo de una gitana, consigue convertirse en un caballero, como ganó un torneo, festejando con Leonora y volvió a su desconocida patria disfrazado como un trovador, pero ei: es una ópera.

Toda la primera parte de la ópera – los actos primero y segundo – es un constante torbellino de luces, objetos y gente moviéndose, impactante enormemente el auditorio. Unos títeres que representan los soldados son descolgados de la parte superior del escenario; parecen un extraño pero interesante confluencia entre los pupi sicilianos y piezas de arte cubista de los años 1930. El corazón los coge y los mueve dándoles vida y aportando un impacto bien emotivo que in crescendo hasta la escena del campamento gitano.

Este es elAkme de la ópera, su momento más brillante y maravilloso: mientras el corazón del yunque suena con yunques reales picadas con unos grandísimos martillos, un cubo gigante comienza a sobresalir del fondo del escenario. Rodeado por velas de cera gigantescas, una estatua a tamaño real de Nuestra Señora de los Dolores aparece, vestida con su capa negra y un corazón llameante en el pecho, adornada con rosarios. Increíblemente la estatua se mueve y empieza a cantar stride la Vampa !: es Azucena.

Il trovatore '| Maggio Fiorentino

En el dúo entre Azucena y Manrico el cubo se gira hacia arriba, convirtiéndose en un escenario dentro del escenario al estilo delopera dei pupi, Con unas pinturas de paisaje bien claras, y Manrico y Azucena entran, reviviendo el momento del flashback. Es entonces cuando, a la otra parte del escenario, el personaje Verdi / Ferrando aparece con los títeres que representan Manrico y Azucena en las manos, haciendo mímica de los movimientos que ambos personajes hacen en escena al mismo tiempo. Igualmente, el Conte di Luna aparece dentro de su brillante armadura y con un corazón llameante el corazón para secuestrar Leonora con sus sirvientes; primero se le aparece a Verdi / Ferrando, que lleva un títere que representa su propio personaje; el toca y es entonces cuando comienza a cantar Il ballena del suo sorriso.

Al final del segundo acto, durante el intervalo, la cortina no cae sobre el escenario: en cambio, una tela semitransparente se despliega, permitiendo al auditorio de ver todo el trabajo del backstage y el cambio de escena técnico.

Si la primera parte estaba llena de coups de théâtre, La segunda se focaliza en la música: las escenas se desnudan lentamente de ornamentos con la Leonora cantante «Ah sì, bien mio, coll’essere» bien sola bajo una luz tenue que presiente los problemas venideros. Incluso la amada cabaletta «Di quella pira el orrendo fuoco» queda enmarcada por una luz roja y potente sin más escenografía que la lumínica, dejando el protagonista solo con los títeres bellugats por el corazón. Así, la atención del auditorio queda focalizada a la música y las voces de los personajes, dejando el poder del drama que aparezca en su forma más pura.

El cuarto acto muestra los muros simbólicos de la prisión de Castellor como unas cajas de luz donde Leonora, Manrico y Azucena están atrapados, esperando su destino; como se acerca el final, Leonora no cae en la agonía como normalmente lo hace en las versiones tradicionales sino que se yergue aún más; sale del espacio de la prisión, liberada por la proximidad de la muerte, y se coloca entre las dos cajas de luz, que hacen que su figura quede totalmente contrastada por la luz trasera; entonces desaparece, como si hubiera sido ocultada por un maestro titiritero – y de hecho vemos de nuevo el personaje de Verdi / Ferrando, como un narrador, abriendo su manto y colocando su semejanza icónica sobre tierra, sobre de un tejido manchado de rojo. Manrico muerto poco después, y las dos cajas de luz se vuelven rojas. Se mueven hacia el público, mostrando una tercera caja: y es entonces cuando tenemos las tres cajas del inicio de nuevo iluminadas de verde, blanco y rojo.

Un ciclo se cierra. Posiblemente, por lo que hemos visto, este inicio y final de la ópera se repetirá en el Rigoletto y en la traviata, Como un hilo común.

Los aplausos truenos y celebraron toda la gente involucrada en el proyecto, especialmente el corazón dirigido por Lorenzo Fratini, Que hizo un trabajo admirable como siempre; seguidamente el cast entero, con aplausos pomposos y bravos para Olesya Petrova como Azucena, pero también por los dos antagonistas, Massimo Cavalletti como Conte di Luna y Piero Pretti como Manrico. Jennifer Rowley, Una espléndida Leonora, fue también aclamada, y el director Fabio Luisi fue un aliciente más para los siempre crecientes aplausos. El director de escena Francesco Micheli apareció sobre el escenario con su equipo, aceptando gratamente el caluroso recibimiento del público; pero quizás lo más importante es que ambos directores se acercaron al equipo «invisible» y los hicieron saludar al público – los concejales de escena, los eléctricos, los maquinistas – de una manera que seguramente fue una sorpresa para a todos ellos. Ya que aparecieron excitados y al mismo tiempo medio avergonzados, al tratarse de una escena poco convencional y corriente.

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